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　　当下，又到音乐演出的火热季。在令人眼花缭乱的各大跨年演出中，古典音乐的演出比往年更为引人关注。在踩着“江南Style”的时代，大众应如何理解被称为“高雅艺术”的古典音乐？它在中国的发展现状如何？

　　国家大剧院，艾森巴赫带领大剧院乐团绽放激情；人民大会堂，梅塔率以色列爱乐乐团闪亮登场；工人体育馆，李云迪演绎的肖邦夜曲引人入胜；还有德国、奥地利、美国乐团的高水准演出……这个新年，古典音乐成了热词。在北京，据说年前年后光以“新年音乐会”冠名的演出就有十好几场。

　　高雅，源于内心尊重并非外在形式

　　不是专业音乐厅，没有西装革履，岁末的工体，上万观众参与了李云迪音乐会。

　　现场除了演奏肖邦、贝多芬的名曲，大屏幕、旋转舞台、演奏者与嘉宾的现场互动、流行乐的自弹自唱，这场混搭古典、民族、流行等多种音乐元素的演奏会，收获了粉丝的热烈掌声。

　　“其实两三百年前，古典音乐并不是现在我们所认为的高雅音乐。古典音乐在当时也是街头巷尾喜闻乐见的东西。”上海音乐学院老师田艺苗致力于古典音乐推广，她发起的“穿T恤听古典音乐”沙龙，作为面向年轻人的社会化、生活化的活动，受到了不少人的欢迎。

　　音乐评论家刘雪枫认为，古典音乐可以给人以精神上的安慰，这是当下人们所亟须的。但人为地把古典音乐抬高到一个所谓“高贵”的位置上，本身是错误的。

　　“说古典音乐高雅，倒不如说对音乐都应当抱有一份尊重。古典音乐是跟当时的社会状况、文化生态相伴发展的，有着厚重的历史积淀。”刘雪枫笑称自己也是“杂食爱乐者”，“其实无论何种音乐形式，只要是用心做的，都有审美价值，都值得尊重。”

　　跨界，放下身段不等于混为一谈

　　现今，有不少音乐人引用了古典元素去创作流行歌，也有不少艺术家用现代的形式去展示古典音乐。

　　在李云迪演奏会现场，记者碰到了一位“云粉”。她从克莱德曼的钢琴演奏专辑听起，后来才真正接触了古典音乐，然后再听肖邦、贝多芬的。对于现场演出的“中国风”系列，她表示，用钢琴来表现传统京剧很新奇，她也很喜欢。

　　“我认为跨界就是古典音乐放下身段的方式。既可以用一部分古典音乐的元素来创作流行乐，古典音乐演奏家也需要放下身段，让更多的人接受他的艺术。”

　　在国家大剧院的音乐会中，迟立明和朱迪思·豪沃思扮演的“杨白劳”与“喜儿”中西合璧，表演的歌剧《白毛女》“扎红头绳”选段让观众大呼过瘾。以色列爱乐乐团演奏中，两位舞者的表演、一位书法家的现场创作，同样给人以别出心裁的感受。

　　面对越来越多的“跨界组合”，刘雪枫并不认为这就是古典音乐的发展趋势，“放下身段有必要，但跨界只是古典音乐发展历史中的一朵小浪花，古典音乐自诞生以来一刻都没有停止它的发展。最终还会从本质上向更高层次发展。”

　　欣赏，出于音乐审美而非鉴赏研究

　　面对“经典”，如何才能“听懂”？

　　田艺苗在“穿T恤听古典音乐”的沙龙里，往往会先放一段带有古典音乐的耳熟能详的电影片段，“很多人都是从影视剧里接触到古典音乐的，这样做主要是为了拉近大家与古典音乐的距离。”

　　“影视剧也好，音乐会也好，唱片也好，音乐有很多进入途径和方式。这很大程度上取决于你对音乐的爱，是突然的还是慢慢发展的。”刘雪枫笑着说，“没爱上，那就是没到点儿，得慢慢来。”

　　音乐是需要共鸣的。由于人们的性格、脾气、人生观、世界观、文化观各不相同，因此古典音乐对不同人的吸引力也不尽相同。“同一个人在不同的年龄段，对同一首曲子的理解都会千差万别。”乐迷小穆介绍，自己当年为了“入门”，曾下苦功啃了很多书，结果听起来还是“云里雾里没感觉”。她得出的结论就是，“除了去听，没别的办法。”

　　当然，加强对乐理知识、背景知识的了解，也能加深对音乐的理解。但在音乐欣赏层面，能够起决定作用的，还是自己的认知。刘雪枫以印象派音乐家德彪西的《大海》举例，作品描述的是一天之间的海浪起伏，如同画笔一般勾画出从早到晚海浪色彩的变化，这种变化是被音乐化了的、性格化了的、情感化了的，“音乐可以表现一切，而这种理解往往需要想象。”过度的解读反而会扼杀美的想象力。

　　学琴，要“协奏”不要“变奏”

　　在物质充裕的时代背景下，随着考级、培训的不断升温，越来越多的孩子走上古典器乐学习的道路，有调查称中国目前已有3000万的“琴童”。在李云迪的演奏会上，就可以看到不少观众全家组团前来。

　　“父母的初衷当然是好的。”复旦大学在读博士郑雯6岁学琴，在校期间举办过多场演奏会，至今她依然把弹琴作为舒缓情绪的最好方式，“但和我同期学琴的大部分人，学到半途就放弃了。我自己喜欢的，所以才坚持。”

　　“真正的音乐天才，是那些天生热爱音乐的孩子，”刘雪枫说，“那种要学习音乐的热情，挡也挡不住。现在的孩子差不多都是被父母安排学琴的，不可能成才。”

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　　古典音乐小史

　　狭义的古典乐特指18世纪下半叶至19世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”的作品。

　　而广义的古典乐则是从15世纪初欧洲文艺复兴开始贯穿巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期等，直至现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐。

　　巴洛克时期古典乐，新旧风格交织。维瓦尔第、巴赫、亨德尔等是这一时期代表音乐家。

　　维也纳古典时期的古典音乐，达到了前所未有的高度。交响乐与奏鸣曲是该时期极为重要的艺术成就。海顿、莫扎特、贝多芬是这一时期的杰出代表。

　　浪漫主义时期音乐，在创作上突破传统乐章结构的限制，产生了夜曲、叙事曲等许多小型器乐曲体裁。这一时期的代表音乐家有门德尔松、瓦格纳、肖邦、柴可夫斯基等。

　　古典音乐作品怎么命名

　　1.体裁+主奏乐器+调性。多用于协奏曲和奏鸣曲，如“降E大调钢琴协奏曲”。

　　2.约定俗成的称呼+体裁。多用于一些知名度较高的作品或创作时名称不明确，后人起名的作品，或是圆舞曲。如巴赫的勃兰登堡协奏曲。

　　3.用国际通用编号。多用于作品丰富的大师级作曲家，如巴赫用BWV，维瓦尔第用RV，莫扎特用K。有时某一类体裁作品也用No.或Op./Opus编号。如代表某个作者第六部作品集的第五首协奏曲。

　　4.用作曲家的作品集的名称。如巴赫的平均律钢琴曲集。

　　5.庆典音乐。如亨德尔的水上音乐、皇家烟火等。

　　6.歌剧、芭蕾舞剧多使用表示剧情或歌词内容的名字。如门德尔松的仲夏夜之梦，歌剧音乐多选自序曲或咏叹调，如罗西尼的威廉·泰尔序曲。